Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck

Amatissima nei paesi nordici per il suo stile altamente originale, la pittrice finlandese Helene Schjerfbeck (1862–1946) è relativamente sconosciuta al resto del mondo. Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck, al Metropolitan Museum of Art, è la prima grande mostra negli Stati Uniti dedicata all'opera dell'artista. Con quasi 60 opere su tela — tra cui generosi prestiti dalla Galleria Nazionale Finlandese / Museo d'Arte Ateneum, altri musei finlandesi e collezioni private in Finlandia e Svezia — la mostra è in programma dal 5 dicembre 2025 al 5 aprile 2026.

Nata a Helsinki, Schjerfbeck fu testimone di una guerra civile e di due guerre mondiali, oltre che del fiorire dell'identità nazionale finlandese dopo l'indipendenza dalla dominazione russa nel 1917. Nonostante numerose difficoltà personali, Schjerfbeck non venne mai meno alla sua determinazione di seguire la propria passione, dipingendo per la maggior parte della sua vita in un remoto paese nordico, lontana dai centri europei di fermento e rinnovamento culturale. Disse un giorno con fermezza: «Tutto ciò che desidero fare è dipingere… c'è sempre qualcosa da conquistare.»

La mostra è resa possibile da Elsa A. Brule ed è organizzata dal Metropolitan Museum of Art in collaborazione con la Galleria Nazionale Finlandese / Museo d'Arte Ateneum.

«Seeing Silence mette in luce il lavoro di un'artista straordinaria che, pur essendo da tempo celebrata in Norvegia e Svezia come la più importante pittrice donna della sua epoca, non ha ancora ottenuto la visibilità che merita su questa sponda dell'Atlantico», ha dichiarato Max Hollein, Marina Kellen French Director and Chief Executive Officer del Met. «La mostra invita il pubblico a scoprire per la prima volta in un grande museo statunitense le opere ipnotiche e la visione distintiva di Helene Schjerfbeck, mettendo in evidenza la straordinaria capacità di introspezione di un'artista interamente dedita alla propria arte nel corso di otto decenni.»

Dita Amory, Robert Lehman Curator in Charge of the Robert Lehman Collection al Met, ha aggiunto: «Dipingendo nella remota Finlandia, senza accesso alla cultura più ampia e allo scambio di idee contemporanee, Schjerfbeck creava ogni giorno il proprio linguaggio davanti al cavalletto, per pura forza di volontà. Seeing Silence guarda oltre il mainstream culturale della storia dell'arte per scoprire una donna che ha superato enormi difficoltà per produrre un corpus di opere di grande potenza, rivendicandone il giusto posto nella storia del modernismo.»

Seeing Silence ripercorrerà lo sviluppo artistico di Schjerfbeck dai primi anni a Helsinki fino alla fine della sua vita in Svezia, illuminando l'evoluzione del suo stile, dalla tradizione naturalista verso un linguaggio pittorico essenziale, fatto di immagini spesso densamente lavorate. Schjerfbeck carteggiava e grattava gli strati di pittura, arrivando talvolta a esporre la trama grezza della tela nei suoi esperimenti con i materiali. Voce preziosa tra le molte declinazioni del modernismo del primo Novecento, Schjerfbeck espresse un linguaggio visivo unico che merita riconoscimento nelle narrazioni codificate della storia dell'arte.

Panoramica della mostra

La mostra si articola tematicamente, a partire dagli anni della formazione. Riconosciuta come prodigio in giovane età, Schjerfbeck ottenne diverse borse di studio per studiare a Parigi, da dove si recò a Concarneau in Bretagna e poi a St Ives in Cornovaglia. Molti dei suoi primi studi di figura furono realizzati nelle scuole d'arte parigine, mentre i soggetti di genere più sentimentali riflettono i suoi viaggi in campagna. Formatasi tra artisti che lavoravano nel solco del naturalismo, realizzò figure e paesaggi in linea con quella tradizione, per poi presentare presto le sue opere al Salon di Parigi e spingersi oltre i confini della pittura accademica.

Nella sezione successiva, alcune grandi tele celebrano il patrimonio finlandese. Dopo secoli di dominazione svedese e poi russa, la Finlandia stava affermando la propria identità culturale. Un dipinto storico valse a Schjerfbeck una borsa di studio per Parigi; in seguito, un'evocativa allusione alla festa ebraica di Sukkot le aprì le porte del Salon statale del 1883.

Nel 1902 Schjerfbeck si trasferì a Hyvinkää, una piccola città ferroviaria a diverse ore a nord di Helsinki, per prendersi cura della madre anziana. L'isolamento della campagna le permise di dipingere senza le interruzioni della vita cittadina. In sistemazioni modeste e senza accesso a modelli professionali, realizzò alcune delle sue tele più toccanti: spesso figure solitarie vestite di nero, con poco colore a interrompere le silhouette scure. La madre, pur non condividendo la vocazione della figlia, fu coinvolta come modella in diverse occasioni. A quel punto della sua carriera, Schjerfbeck aveva ridefinito radicalmente il proprio linguaggio estetico. Una pennellata morbida caratterizza questi dipinti silenziosi. Sedute o in piedi, intente a leggere o a cucire, le sue figure riempiono il campo visivo e distolgono lo sguardo. Spesso immerse in una luce radente, appaiono perdute nei pensieri e nel tempo. Schjerfbeck indaga il linguaggio formale — luce, spazio, volume — non l'anima del soggetto. Chiedeva ai modelli di non guardarla mentre dipingeva, imponeva il silenzio e non mostrava mai loro il risultato. Fondamentali all'inizio di un'opera, i modelli venivano congedati quando la fantasia creatrice di Schjerfbeck prendeva il sopravvento.

Una sezione successiva presenta una sequenza di ritratti degli anni Venti e Trenta. Schjerfbeck annotava raramente il nome del soggetto nei titoli, e con ogni probabilità ne sopprimeva l'identità per le stesse ragioni per cui rifuggiva dalla ritrattistica mimetica: nei rari casi in cui si sforzava di trasferire una somiglianza sulla tela, l'impresa la frustrava finché non raggiungeva il risultato desiderato. Molti dei suoi soggetti indossano abiti alla moda, testimonianza del perdurante interesse di Schjerfbeck per la moda francese. Dopo aver letto un articolo del 1912 su una rivista d'arte, si innamorò della pittura di El Greco (1541–1614). Pur senza accesso agli originali, elaborò trascrizioni piuttosto stilizzate delle sue Madonne e altri soggetti sacri, un'ossessione che si intensificò durante la seconda guerra mondiale.

Nel 1894 la Società delle Arti Finlandese inviò Schjerfbeck a Vienna e Firenze per copiare opere di Holbein, Velázquez, Fra Angelico, Fra Filippo Lippi e Giorgione. Durante il soggiorno italiano dipinse alcuni eterei paesaggi di Fiesole, arroccata su una collina sopra Firenze, dove studiò senza dubbio i bellissimi ma deteriorati affreschi che decorano le chiese della città.

Le nature morte, che abbracciano cinquant'anni di carriera, illustrano l'evoluzione del linguaggio creativo dell'artista. Le mele rosse (1915), unica nella sua produzione per la palette luminosa, dimostra la tecnica distintiva di Schjerfbeck di sovrapporre e rimuovere la pittura per ottenere strutture di grande complessità. Negli anni Trenta l'artista aveva ridotto la palette delle nature morte a toni più austeri, sfruttando i frutti per proseguire i propri esperimenti sulla superficie pittorica. Nell'ultima natura morte, dipinta nel 1944, le mele annerite evocano metaforicamente la devastazione della seconda guerra mondiale e il caos dello sconvolgimento in atto.

Helene Schjerfbeck interrogò la propria immagine in 40 autoritratti nel corso della vita. Le sue tele tracciano l'arco dello sviluppo artistico materializzando la propria crescita e il proprio declino fisico. Dalle espressioni giovanili in linguaggio naturalistico alle distorsioni del viso che anticipano il finale inquietante di questa serie, Schjerfbeck cattura la propria immagine con crescente idiosincrasia e sicurezza di sé.

Negli ultimi anni, mentre la guerra imperversava in Finlandia, il suo mercante d'arte la convinse a trasferirsi in Svezia. Dal 1944 fino alla morte nel 1946, visse in un albergo di Stoccolma, dove dipinse 20 dei suoi 40 autoritratti. Poche altre serie nella storia dell'arte moderna articolano la mortalità con tale franchezza: l'artista usò colori sottili e velati per produrre rappresentazioni monocromatiche che sono al tempo stesso inquietanti e magnifiche meditazioni sugli effetti dell'età e della malattia.